Hace dos años, mientras veía Ratatouille, a medida que se acercaba el final tenía clara la puntuación: cuatro estrellas, muy buena.

Hubo algo que me trastocó por completo, y que me hizo salir del cine mudo, confuso y maravillado ante la maravillosa película que acababa de ver.

Fue la escena final, que ahora os ofrezco arriba.

En cierto sentido, el crítico es la persona más desgraciada del mundo, porque necesita justificarse ante sí mismo y ante los demás para que su opinión tenga para él sentido.

Por eso, cuando se me sube el ego y creo que tengo la última palabra en cuanto a la calidad de una película o del cine mismo (he llegado a decir una vez que "no veo películas, sino cine"), cuando mi pedantería y mi pretenciosidad crítica llegan al extremismo, mi familia o mi propio recuerdo me hacen revisionar este fabuloso diálogo. Anton Ego me pone las cosas en su sitio y me da la mayor lección de humildad que el cine me haya podido dar.

A veces, el crítico tiene que afrontar que su labor no debe ser tan destructiva, que lo mejor puede ser lo humilde, que a veces es necesario que una película simplemente te guste sin necesidad de motivos para ello.

Aviso de que esta es la escena final de la película, así que hay SPOILERS MÁXIMOS.

Los pelos de punta. Ver esta escena aún me emociona. Fue la que más disfruté en cuanto vi la película por primera vez.

Inigualable Eastwood, impresionante Van Cleef, escalofriante Volonté, maestrísimo Leone, genial Morricone. Todos ellos forman un duelo épico bajo un Sol abrasador que parece quemarnos a nosotros mismos. Un duelo con todo el sabor clásico del buen western. Un duelo que marca huella, antológico.

Y unos momentos finales que son lo más brutal que he visto en mucho tiempo. Para quitarse el sombrero. Lástima que el vídeo esté en inglés, pero quien haya visto la película sabe a qué me refiero, y casi con toda seguridad que lo comparte.

Sí, disfrutar de estos clásicos este verano ha merecido la pena.

Solo con ver esas preciosas imágenes de Londres y escuchar esa música que me ha acompañado toda la vida entro de lleno en el mismo viaje mágico que cuando era pequeño. Vuelvo a ser feliz.

Obra maestra sin ninguna duda. La película de mi infancia, la que recuerdo con más cariño e ilusión y de la que no me avergüenzo de decir que es de mis cinco películas favoritas.

Y, cuando la película acaba, vuelvo a sentir la misma pena, y espero a que Mary Poppins, la niñera que todos queríamos tener, vuelva. Solo por una vez, aunque sea... Un sueño imposible, pero me he pasado dos horas y media soñando, siendo feliz. El niño que llevo dentro y que acaba de salir al exterior de nuevo me lo pide. No se lo voy a negar.

Fue toda una sorpresa para mí cuando la vi en la televisión hace ya dos años.

Instantáneamente se convirtió para mí en una obra maestra y en una de mis películas favoritas. Me llegó, me emocionó, me atrapó. Terminó la película y no pude encontrarle nada negativo. Simplemente El Show de Truman estaba ahí, me había enganchado y encandilado, me había enamorado.

Jamás pensé que esa película de la que tanto había oído hablar causase en mí una admiración enorme hacia ella. La suelo ver de vez en cuando, maravillándome ante sus detalles y ante la profundamente emocional y compleja historia vestida con aparente sencilez.

Pero esta es mi secuencia favorita: el final.

Llevamos hora y media sufriendo con Truman (¿sólo hora y media? ¡quiero más!), y esperamos que por fin sea libre. Christof ha estado a punt de matarle, Truman no es más que un producto en un mundo aparentemente feliz pero que ha suprimido la libertad. La condición humana ya no existe, o da asco. Muy pocos sienten remordimientos.

Y ahí está Truman, superando una fobia que no tiiene sentido desde el momento en que su falso padre aparece y él comprende que tal resurrección es tan burda que no tiene lógica. Y llega al fin del mundo, su mundo.

Es entonces cuando se pruoduce la analogía, la metáfora más brutal que he visto en una película de este tipo: Dios habla con su creación.

¿Una metáfora anti-religiosa? Christof (fabuloso Ed Harris) habla con Truman (un Jim Carrey en estado de gracia) cual rayos de Sol divinos y le intenta convencer para que no deje un programa que le dará felicidad, al igual que se la da a millones de espectadores. Parémonos a pensar: Christof (¿comparación con Cristo?) en su papel de Dios intenta convencer a Truman, el hombre, para que no abandone la utopía que ha diseñado para él, en la que todos participan ciegamente e intentan que nadie intente rebelarse contra ella (ningún habitante del pueblo deja que Truman se marche).

Y Truman toma la decisión más difícil de todas: renuncia a una vida cómoda que le priva de su libertad. Decide sufrir y abandonar una felicidad falsa, porque le aísla del mundo y le reprime. Acepta el dolor porque es lo que le hace humano. Es decir, niega a Dios y a la religión, en apariencia una simple excusa para vivir en un aparente estado de falsa felicidad. Y se marcha: es libre, es feliz, es un hombre.

Me asombra. ¿Comparto esa opinión? Para nada, pero esta metáfora es realmente asombrosa. Más cuando ella, la mujer que ha apoyado a Truman en la distancia y su amor secreto, reza a Dios para que Truman se marche. ¿Rezar a un Dios del que acabas de negar? Eso me hace pensar que el Dios de Christof perfectamente puede ser otro dios cruel, un dios bajo una apariencia de falso costumbrismo, el dios de una Humanidad consumista.

El dios opresor al que Truman se rebela en un final emotivo, la brocha final para una película fantástica.

Incluso dejándonos de metáforas metafísicas, tomándonos la escena como la liberación de un hombre que quiere ser libre y vivir como él quiere sigue siendo una escena colosal, al ritmo de una banda sonora perfecta y en el que los planos, la dirección y el escenario toman carácter propio. Qué extraño es que la salida sea una simple escalera, y qué tonto resulta criticar eso cuando no hace falta complicarlo más para contar el mismo mensaje. Se produce lo que todos esperábamos, Truman es libre y te sientes feliz. El que una película te emocione tanto, y esto es algo que defiendo a ultranza, se llama cine.

Un final que deja huella. Un final que solo se puede calificar de obra maestra.

"Todos esos momentos se perderán, en el tiempo... como lágrimas en la lluvia"

Sí, sé que poner esta escena no es ninguna novedad. Pero de una de mis películas favoritas, de esta obra maestra de la ciencia ficción, no se me ocurre otra que pueda representarla mejor, que resuma todo el potente contenido de la cinta y que se haya convertido en una referencia para miles de cinéfilos de todo el mundo.

Finalmente, la máquina descubre su humanidad. Roy Batty, sin duda el personaje más carismático y mejor de Blade Runner, deja de ser el villano, si es que alguna vez lo fue. ¿Ve en Deckard a un semejante engañado al que no puede dejar morir? ¿O en sus últimos instantes de vida comprende que no puede quitarle a otro lo que él está perdiendo? ¿O tal vez necesitaba un consuelo en su ya cercana muerte? Hay tantas respuestas posibles... Porque Roy, el replicante infantil, el ser artificial que soñaba con conocer a su padre, que anhelaba tener más vida, afronta su desaparición. ¿Despierta al final en él la compasión? Me gusta pensar que sí, que finalmente el ser humano ha caído tan bajo que una máquina tiene más humanidad que cualquiera de nosotros. Finalmente es Roy el que muestra sentimientos, finalmente es él el que soñaba con una vida mejor, finalmente es él el que salva la vida a alguien. Deckard solo puede presumir de dedicarse toda su vida a retirar replicantes y a forzar a mujeres para su provecho. Finalmente, los replicantes acaban siendo más humanos que los humanos: y esta lección transforma a Deckard, que ve cómo su vida puede cambiar. El Deckard humano, y también el Deckard replicante. Pero aun así el solitario Blade Runner asume que se enfrenta a una vida muy corta, perseguido por sus compañeros y llena de dolor, desengaño y muerte. Ni siquiera los replicantes pueden escapar a eso. Da igual que cambie su vida, será un esfuerzo en vano e inútil.

Siempre y cuando consideremos a Deckard un replicante.

Hay cuatro escenas que me encantan de El Rey León: el comienzo, la escena de la estampida, el reencuentro entre Simba y Nala, Simba hablando con su padre y el final. Sin duda, esta última es mi favorita, y por eso mismo le dedico un post que encabezará un "reportaje" continuo, que actualizaré durante todos los meses que dure el blog y a mi propio ritmo.

El heredero rechazado reclama su puesto legítimo en el trono. Sube a la Roca de la Vieda, símbolo de la realeza y de su propia vida, paso a paso, lenta y majestuosamente, con dudas pero sabiendo romperlas y afrontarlas a cada movimiento. El Padre desde el Cielo le hace recordar su lugar, la verdad. Y Simba reafirma su poder, su condición, su destino. Y el Ciclo de la Vida sigue su curso...

Sin apenas palabras, apoyándose en la fabulosa Banda Sonora de Hans Zimmer y en las canciones de Elton John, la obra maestra de Disney pone punto y final de forma majestuosa. Sí, Obra Maestra. Con todas las letras.